La grande musica fa grandi film

Ennio Morricone morì il 6 luglio. Aveva 91 anni e morì nella natia Roma, ma la sua scomparsa fu sentita tanto a Hollywood quanto nella Città Eterna. Ha vinto un premio Oscar competitivo per il suo lavoro in Hateful Eight di Quentin Tarantino, è stato nominato per altri cinque e ha ricevuto un premio alla carriera dall’Academy nel 2007.

Mentre leggevo il suo meritatamente lungo obit, ho iniziato a considerare il ruolo di una colonna sonora nei film. La musica, anche in frammenti e toppe, diventa spesso un elemento integrante o un personaggio aggiuntivo in un film drammatico – piuttosto che un vero e proprio musical, come The Sound of Music o un film sulla musica o un particolare compositore, come Amadeus – e può essere la parte che lo tiene insieme e lo rende memorabile, a volte senza che ce ne rendiamo pienamente conto.

Prova a immaginare i film di Star Wars e Indiana Jones senza il contributo di John Williams e capirai cosa intendo. La prima avventura di Williams nella categoria Blockbuster è stata, ovviamente, Jaws del 1975. Il compositore ha creato un cattivo per il film di Spielberg con due note, un tema che ha attraversato il film come un leitmotiv attraversa un’opera di Wagner. Due anni dopo, ha creato la musica per il primo film di Star Wars per George Lucas. Quattro anni dopo, I predatori dell’arca perdutaè apparso con una storia di George Lucas e Spielberg che si occupavano dei compiti di regia – e ancora una volta Williams è stato chiamato a fornire una colonna sonora memorabile, drammatica ed emozionante. Williams dirigerà la musica di entrambi i franchise per i prossimi 40 anni, con The Rise of Skywalker che concluderà la saga di Skywalker e il quinto film di Indiana Jones in uscita nel 2022.

Non c’è dubbio che John Williams sia stato in grado di creare e sostenere composizioni identificative per i film che forniscono tensione, familiarità e anticipazione in un pubblico per ore alla volta. Le colonne sonore di Williams sono riconoscibili come una sinfonia di Beethoven o una canzone dei Beatles. In una tradizione quasi classica, i temi musicali enunciati per la prima volta nei film decenni e generazioni prima vengono riformulati con sfumature e variazioni per fornire al pubblico una trama emotiva, ma con abbastanza freschezza da tenere gli occhi fissi sullo schermo (e forse la mano in i popcorn).

Non c’è dubbio che sia il compositore di musica di maggior successo per i film dell’era moderna e probabilmente il compositore di film più influente della storia. Altri progetti della Williams hanno incluso tutti i film di Spielberg post-Lo squalo e quattro dei film di Harry Potter , Superman di Richard Donner e Home Alone I/II, solo per citarne alcuni.

Ma se risaliamo il calendario indietro di qualche decennio, scopriamo che il compositore Nino Rota ha fornito una base simile a quella dell’opera di Morricone per il regista Federico Fellini, tra gli altri. Risalendo al lontano 1954′ La Strada, il film che portò Fellini alla fama internazionale, la musica di Nino Rota raccontava spesso tanto della storia quanto le immagini ei dialoghi. Non è un caso che Gelsomina di Giulietta Masina segua Zampano di Anthony Quinn con una tromba, gemendo una melodia meravigliosamente lugubre, solitaria e inquietante. Rota sarebbe stato associato a Fellini per il resto della vita del compositore. Ha anche creato il muscolo connettivo musicale alla base del Padrino di Coppola e del suo sequel.

Andando ancora più indietro nel tempo, Via col vento avrebbe avuto lo stesso impatto senza il punteggio travolgente di Max Steiner? La colonna sonora fa così tanto parte del film che alcune battute di "Tara’s Theme" evocano una panoplia di scene di film.

Spostandosi attraverso lo stagno verso l’Inghilterra, Il terzo uomo di Carol Reed ha compiuto un passo musicale insolito e brillante. Il film del 1949 è ambientato nella Vienna del secondo dopoguerra, una città piena di intrighi, azioni sporche e inganni. La regia di Carol Reed è neo-tedesca nell’uso di luci e ombre. Anton Karas imposta e mantiene l’atmosfera con una colonna sonora tagliente scritta per cetra solista. Karas ha eseguito lui stesso la colonna sonora e nel 1950 è diventato una star internazionale.

Per un intero terzo del 20° secolo, il nome di Dimitri Tiomkin era onnipresente nelle colonne sonore dei film di Hollywood quasi quanto quello di Edith Head per i costumi. Mentre ha ottenuto 22 nomination all’Oscar per la colonna sonora originale e ha vinto il premio per L’alto e il potente e Il vecchio e il mare, penso che il suo capolavoro sia stato il film di Fred Zinneman del 1952, Mezzogiorno di fuoco, che gli ha portato non solo la statuetta per la migliore colonna sonora originale, ma anche uno per la migliore canzone originale. Se hai una certa età, qualsiasi menzione del film riporta il suono della voce di Frankie Laine che canta la canzone del titolo, a volte conosciuta come "Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’".

Ciò che molti potrebbero non ricordare è che il film inizialmente non è stato ben accolto alla sua anteprima stampa, con lo studio che ha considerato di non pubblicarlo. Ma la copertina di Laine è stata pubblicata ed è diventata un successo. Alcuni pensano che abbia salvato il film. In ogni caso, la canzone e la voce di Tex Ritter risuonavano nei titoli di testa di High Noon. La canzone, musica di Tiomkin, testi di Ned Washington, è un notevole pezzo di compressione della storia. Delinea la trama e il dilemma di Will Kane (Gary Cooper) in 2,5 minuti concisi. Il tema musicale e le inquadrature casuali punteggiano il film, ricordandoci le sue realtà interne ed esterne e creando tensione.

Elmer Bernstein è stato un altro prolifico compositore di film. Possedendo una cintura di pistola con più di 150 tacche di colonne sonore, Bernstein ha vinto un Oscar per la colonna sonora del 1967 di Thoroughly Modern Millie. Tuttavia, oggi, è probabilmente meglio conosciuto per la sua colonna sonora del 1960 per I magnifici sette. Il tema della guida dura mantiene il film in movimento e fornisce una tensione tutta sua. Bernstein ha anche lasciato il segno con la musica per L’età dell’innocenza di Martin Scorsese, I dieci comandamenti di DeMille e persino commedie come Airplane e Animal House.

Il 1962 è stato un anno cruciale per il compositore francese Maurice Jarre. Quell’anno vide l’uscita di tre film importanti che ha segnato: The Longest Day, Sundays and Cybele e Lawrence d’Arabia. Per me, quest’ultimo, diretto da David Lean, è il più forte di quegli sforzi e la creazione di musica di Jarre per adattarsi alle mutevoli visuali – ufficio britannico in Egitto, deserto ondulato, campo beduino, ecc. – è stata sia magistrale che unificante. La colonna sonora gli è valsa il suo primo Oscar per la colonna sonora originale. Il suo lavoro con David Lean in Doctor Zivago e A Passage to India ha ottenuto altri due Oscar per Jarre. Zhivago presentava una balalaika, che rievocava la cetra del Terzo Uomo. Altri film importanti che ha segnato includono Witness, Attrazione fatale, Fantasma, L’ uomo che vorrebbe diventare re, Shogun e L’ anno in cui vivrà pericolosamente. Le colonne sonore di Jarre hanno unificato e accentuato quelle che a volte erano storie difficili da seguire.

Più o meno nello stesso periodo in cui John Williams stava aprendo nuovi orizzonti con colonne sonore orchestrali complete, un compositore di nome Vangelis fu incaricato di creare una colonna sonora anacronistica, per lo più elettronica per Chariots of Fire di David Puttnam del 1981, un film ambientato negli anni ’20. Anche se non è stato il primo film a creare una colonna sonora principalmente tramite sintetizzatore (Alan Silvestri e altri lo facevano da tempo), il suo suono era intenzionalmente e ostentatamente elettronico, piuttosto che tradizionale. La musica è stata utilizzata in modo creativo per punteggiare, completare e contrastare con parti del film e "The Chariots of Fire Theme", accompagnato da immagini di corridori al rallentatore lungo la spiaggia, è diventato iconico. Gli elementi visivi e uditivi lavorano insieme per dare al pubblico una sensazione di euforia e tensione della pista competitiva, che è uno dei temi principali del film.

Naturalmente, la musica è sempre stata una parte importante dei film; i "silenziosi" non erano proprio silenziosi. Sebbene non avessero dialoghi udibili, la maggior parte aveva un accompagnamento di pianoforte dal vivo che aumentava l’azione sullo schermo. Questa indagine fornisce una panoramica di colonne sonore innovative, influenti ed efficaci nel tempo, ma non scalfisce a malapena la superficie delle grandi colonne sonore e delle colonne sonore importanti negli archivi cinematografici. Manca da questa discussione la musica di Erich Wolfgang Korngold, che negli anni ’30 creò la musica per una serie di film tra cui Le avventure di Robin Hood e Le vite private di Elizabeth ed Essex, entrambi con Errol Flynn. Degna di nota è anche la colonna sonora di Virgil Thomson per un film del 1948 intitolato Louisiana Story, che rimane l’unica colonna sonora a vincere un Premio Pulitzer.

Tornando al punto in cui siamo partiti, tuttavia, è discutibile che pochi di questi compositori (tranne forse Williams) abbiano avuto un impatto sull’associazione tra musica e film del grande pubblico quanto Ennio Morricone. Quanti di noi continuerebbero a tenere in così grande considerazione Il buono, il cattivo e il brutto se non fosse per l’indimenticabile tema del compositore, con il suo caratteristico mix di ocarina, armonica, flauto e voce umana? Riesci a immaginare il caratteristico strabismo dell’Uomo senza nome non accompagnato dall’iconico oo-ee-oo-ee-oo-wah-wah-wah di Morricone? Anche se non riesci a ricordare una linea di dialogo di quel film – anche se non l’hai mai visto, del resto – quasi certamente non sei riuscito a resistere all’impulso di canticchiare o fischiare insieme a quell’iconico pezzo di composizione. Questo è il potere della musica.