Boas Músicas Fazem Ótimos Filmes

Ennio Morricone morreu em 6 de julho. Ele tinha 91 anos e morreu em sua terra natal, Roma, mas sua morte foi sentida tão intensamente em Hollywood quanto na Cidade Eterna. Ele ganhou um Oscar competitivo por seu trabalho em Hateful Eight de Quentin Tarantino, foi indicado para cinco outros, e recebeu um Lifetime Achievement Award da Academia em 2007.

Enquanto eu lia seu merecidamente longo obituário, comecei a considerar o papel de uma trilha sonora em filmes. A música, mesmo em trechos e trechos, muitas vezes se torna um elemento integral ou um personagem adicional em um filme dramático – em vez de um musical, como A Noviça Rebelde ou um filme sobre música ou um compositor específico, como Amadeus – e pode ser a parte que o mantém unido e o torna memorável, às vezes sem que percebamos totalmente.

Tente imaginar os filmes Star Wars e Indiana Jones sem as contribuições de John Williams e você entenderá o que quero dizer. O primeiro empreendimento de Williams na categoria Blockbuster foi, é claro, Jaws, de 1975. O compositor criou um vilão para o filme de Spielberg com duas notas – um tema que percorreu o filme como um leitmotiv percorre uma ópera de Wagner. Dois anos depois, ele criou a música para o primeiro filme de Star Wars para George Lucas. Quatro anos depois disso, Caçadores da Arca Perdidaapareceu com uma história de George Lucas e Spielberg assumindo as tarefas de direção – e novamente Williams foi chamado para fornecer uma trilha sonora memorável, dramática e emocionante. Williams lideraria a música de ambas as franquias pelos próximos 40 anos, com The Rise of Skywalker colocando um ponto final na saga Skywalker e o quinto filme de Indiana Jones com lançamento previsto para 2022.

Há pouca dúvida de que John Williams foi capaz de criar e sustentar composições de identificação para filmes que proporcionam tensão, familiaridade e antecipação em uma audiência por horas a fio. As partituras de Williams são tão reconhecíveis quanto uma sinfonia de Beethoven ou uma música dos Beatles. Em uma tradição quase clássica, os temas musicais mencionados pela primeira vez em filmes décadas e gerações anteriores são reafirmados com nuances e variações para fornecer ao público uma linha emocional, mas com frescor suficiente para manter os olhos firmes na tela (e talvez a mão na a pipoca).

Também há pouca dúvida de que ele é o compositor de música de maior sucesso para filmes da era moderna e provavelmente o compositor de filmes mais influente da história. Outros projetos de Williams incluíram todos os filmes de Spielberg pós-Tubarão e quatro dos filmes de Harry Potter , Superman de Richard Donner e Esqueceram de Mim I/II, só para citar alguns.

Mas se retrocedermos o calendário algumas décadas, descobrimos que o compositor Nino Rota forneceu uma base semelhante à da obra de Morricone para o diretor Federico Fellini, entre outros. Desde 1954′ La Strada, o filme que trouxe Fellini à fama internacional, a música de Nino Rota muitas vezes contava tanto a história quanto as imagens e os diálogos. Não é por acaso que Gelsomina de Giulietta Masina segue Zampano de Anthony Quinn com um trompete, lamentando uma melodia lindamente triste, solitária e assombrosa. Rota ficaria associada a Fellini pelo resto da vida do compositor. Ele também criou o músculo conectivo musical que sustenta O Poderoso Chefão de Coppola e sua sequência.

Voltando ainda mais no tempo, E o Vento Levou teria o mesmo impacto sem a pontuação arrebatadora de Max Steiner? A partitura é tão parte do filme que alguns compassos do "Tema de Tara" evocam uma panóplia de cenas do filme.

Movendo-se para a Inglaterra, The Third Man, de Carol Reed, deu um passo musical incomum e brilhante. O filme de 1949 se passa na Viena pós-Segunda Guerra Mundial, uma cidade cheia de intrigas, atos sujos e enganos. A direção de Carol Reed é neo-alemã no uso de luz e sombra. Anton Karas define e mantém o clima com uma partitura ousada escrita para cítara solo. Karas executou a partitura e tornou-se uma estrela internacional em 1950.

Por um terço do século 20, o nome de Dimitri Tiomkin era quase tão onipresente nas trilhas sonoras de filmes de Hollywood quanto o de Edith Head era para o figurino. Enquanto ele recebeu 22 indicações ao Oscar pela trilha original e ganhou o prêmio por The High and the Mighty e The Old Man and the Sea, acho que sua obra-prima foi o filme de Fred Zinneman de 1952, High Noon, trazendo a ele não apenas a estatueta de Melhor Trilha Sonora Original, mas também de Melhor Canção Original. Se você tem uma certa idade, qualquer menção ao filme traz de volta o som da voz de Frankie Laine cantando a música-título, às vezes conhecida como "Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’".

O que muitos podem não se lembrar é que o filme originalmente não foi bem recebido em sua prévia da imprensa, com o estúdio considerando nem lançá-lo. Mas o cover de Laine foi lançado – e se tornou um sucesso. Alguns acham que salvou o filme. De qualquer forma, a música e a voz de Tex Ritter tocaram nos créditos iniciais de High Noon. A música, música de Tiomkin, letra de Ned Washington, é uma peça notável de compressão da história. Ele descreve o enredo e o dilema de Will Kane (Gary Cooper) em 2,5 minutos concisos. O tema musical e os planos incidentais pontuam o filme, lembrando suas realidades internas e externas e criando tensão.

Elmer Bernstein foi mais um prolífico compositor de filmes. Possuindo um cinturão de armas com mais de 150 entalhes de trilha sonora, Bernstein ganhou um Oscar por sua trilha para Thoroughly Modern Millie de 1967. No entanto, hoje, ele é provavelmente mais conhecido por sua partitura de 1960 para The Magnificent Seven. O tema de condução difícil mantém o filme em movimento e fornece uma tensão própria. Bernstein também deixou sua marca com música para The Age of Innocence, de Martin Scorsese, The Ten Commandments, de DeMille, e até mesmo comédias como Airplane e Animal House.

1962 foi um ano crucial para o compositor francês Maurice Jarre. Naquele ano viu o lançamento de três grandes filmes que ele marcou: The Longest Day, Domingos e Cibele, e Lawrence da Arábia. Para mim, o último, dirigido por David Lean, é o mais forte desses esforços e a criação da música de Jarre para se adequar às mudanças visuais – escritório britânico no Egito, deserto ondulante, acampamento beduíno, etc. – foi magistral e unificadora. A pontuação lhe rendeu seu primeiro Oscar de Trilha Sonora Original. Seu trabalho com David Lean em Doctor Zhivago e A Passage to India rendeu mais dois Oscars para Jarre. Zhivago apresentava uma balalaica, remetendo à cítara do Terceiro Homem. Outros filmes notáveis ​​​​que ele marcou incluem Witness, Atração Fatal, Fantasma, O Homem Que Queria Ser Rei, Shogun e O Ano de Viver Perigosamente. As partituras de Jarre unificaram e acentuaram o que às vezes eram histórias difíceis de seguir.

Na mesma época em que John Williams estava abrindo novos caminhos com trilhas sonoras orquestrais completas, um compositor chamado Vangelis foi contratado para criar uma partitura anacrônica, principalmente eletrônica, para Carruagens de Fogo de David Puttnam, de 1981., um filme ambientado na década de 1920. Embora não tenha sido o primeiro filme a criar uma partitura principalmente via sintetizador (Alan Silvestri e outros já o faziam há algum tempo), seu som era intencional e ostensivamente eletrônico, em vez de tradicional. A música foi usada criativamente para pontuar, complementar e contrastar com partes do filme e "The Chariots of Fire Theme", acompanhado por imagens de corredores em câmera lenta ao longo da praia, tornou-se icônico. Os elementos visuais e auditivos trabalham juntos para dar ao público uma sensação da alegria e tensão da pista competitiva, que é um dos principais temas do filme.

Claro, a música sempre foi uma parte importante dos filmes; os "silêncios" não eram realmente silenciosos. Enquanto eles não tinham diálogo audível, a maioria tinha acompanhamento de piano ao vivo que aumentava a ação da tela. Esta pesquisa fornece uma visão de trilhas sonoras inovadoras, influentes e eficazes ao longo do tempo, mas mal arranha a superfície das grandes partituras e trilhas sonoras importantes nos arquivos de filmes. Falta nesta discussão a música de Erich Wolfgang Korngold, que na década de 1930 criou a música para uma série de filmes, incluindo As Aventuras de Robin Hood e As Vidas Privadas de Elizabeth e Essex, ambos com Errol Flynn. Também vale a pena mencionar a trilha de Virgil Thomson para um filme de 1948 chamado Louisiana Story, que continua sendo a única trilha sonora a ganhar um Prêmio Pulitzer.

Voltando ao ponto de partida, porém, é discutível que poucos desses compositores (exceto, talvez, Williams) tiveram tanto impacto na associação da música com o cinema pelo público em geral quanto Ennio Morricone. Quantos de nós ainda teríamos The Good the Bad and the Ugly em tão alta consideração se não fosse pelo tema inesquecível do compositor, com sua mistura distinta de ocarina, gaita, flauta e voz humana? Você pode imaginar o estrabismo característico do Homem Sem Nome, desacompanhado do icônico oo-ee-oo-ee-oo-wah-wah-wah de Morricone? Mesmo que você não consiga se lembrar de uma linha de diálogo desse filme – mesmo que você nunca o tenha visto – você quase certamente não resistiu à vontade de cantarolar ou assobiar junto com aquela peça icônica de composição. Esse é o poder da música.