La grande musique fait de grands films

Ennio Morricone est décédé le 6 juillet. Il avait 91 ans et est décédé dans sa Rome natale, mais son décès a été ressenti aussi vivement à Hollywood que dans la Ville éternelle. Il a remporté un Oscar compétitif pour son travail sur Hateful Eight de Quentin Tarantino, a été nominé pour cinq autres et a reçu un Lifetime Achievement Award de l’Académie en 2007.

En lisant sa nécrologie bien méritée, j’ai commencé à réfléchir au rôle d’une bande-son musicale dans les films. La musique, même par bribes et patchs, devient souvent un élément intégral ou un personnage supplémentaire dans un film dramatique – plutôt qu’une comédie musicale complète, comme The Sound of Music ou un film sur la musique ou un compositeur particulier, comme Amadeus – et peut être la partie qui le maintient ensemble et le rend mémorable, parfois sans que nous nous en rendions pleinement compte.

Essayez d’imaginer les films Star Wars et Indiana Jones sans les contributions de John Williams et vous comprendrez ce que je veux dire. La première aventure de Williams dans la catégorie Blockbuster était, bien sûr, Jaws de 1975. Le compositeur a créé un méchant pour le film de Spielberg avec deux notes – un thème qui a traversé le film comme un leitmotiv traverse un opéra de Wagner. Deux ans plus tard, il a créé la musique du premier film Star Wars pour George Lucas. Quatre ans plus tard, Les aventuriers de l’arche perdueest apparu avec une histoire de George Lucas et Spielberg prenant les tâches de direction – et encore une fois, Williams a été appelé à fournir une partition mémorable, dramatique et passionnante. Williams dirigera la musique des deux franchises pendant les 40 prochaines années, avec The Rise of Skywalker mettant un terme à la saga Skywalker et le cinquième film d’Indiana Jones dont la sortie est prévue en 2022.

Il ne fait aucun doute que John Williams a été capable de créer et de maintenir des compositions d’identification pour des films qui procurent tension, familiarité et anticipation à un public pendant des heures à la fois. Les partitions de Williams sont aussi reconnaissables qu’une symphonie de Beethoven ou une chanson des Beatles. Dans une tradition presque classique, les thèmes musicaux énoncés pour la première fois dans les films des décennies et des générations plus tôt sont reformulés avec des nuances et des variations pour offrir au public une ligne émotionnelle, mais avec suffisamment de fraîcheur pour garder les yeux fermement sur l’écran (et peut-être la main dans le pop-corn).

Il ne fait aucun doute qu’il est le compositeur de musique de films le plus titré de l’ère moderne et probablement le compositeur de films le plus influent de l’histoire. D’autres projets de Williams ont inclus tous les films de Spielberg post-Jaws et quatre des films de Harry Potter , Superman de Richard Donner et Home Alone I/II, pour n’en nommer que quelques-uns.

Mais si nous remontons le calendrier quelques décennies en arrière, nous constatons que le compositeur Nino Rota a fourni une base similaire à celle du travail de Morricone pour le réalisateur Federico Fellini, entre autres. Remontant aussi loin que 1954′ La Strada, le film qui a porté Fellini à la renommée internationale, la musique de Nino Rota racontait souvent autant l’histoire que les images et les dialogues. Ce n’est pas un hasard si Gelsomina de Giulietta Masina suit le Zampano d’Anthony Quinn avec une trompette, gémissant un air magnifiquement lugubre, solitaire et obsédant. Rota sera associée à Fellini pour le reste de la vie du compositeur. Il a également créé le muscle conjonctif musical qui sous-tend le Parrain de Coppola et sa suite.

En remontant encore plus loin dans le temps, Autant en emporte le vent aurait-il eu le même impact sans la partition époustouflante de Max Steiner? La partition fait tellement partie du film que quelques mesures de "Tara’s Theme" évoquent une panoplie de scènes de film.

Traversant l’étang jusqu’en Angleterre, The Third Man de Carol Reed a franchi une étape musicale inhabituelle et brillante. Le film de 1949 se déroule à Vienne après la Seconde Guerre mondiale, une ville remplie d’intrigues, de sales actions et de tromperies. La mise en scène de Carol Reed est néo-allemande dans son utilisation de la lumière et de l’ombre. Anton Karas crée et maintient l’ambiance avec une partition énervée écrite pour cithare solo. Karas a interprété la partition lui-même et est devenu une star internationale en 1950.

Pendant un bon tiers du XXe siècle, le nom de Dimitri Tiomkin était presque aussi omniprésent dans les musiques de films hollywoodiens que celui d’Edith Head dans la conception de costumes. Alors qu’il a remporté 22 nominations aux Oscars pour la musique originale et a remporté le prix pour The High and the Mighty et The Old Man and the Sea, je pense que son chef-d’œuvre était le film de Fred Zinneman de 1952, High Noon, lui apportant non seulement la statuette de la meilleure musique originale, mais un pour la meilleure chanson originale également. Si vous avez un certain âge, toute mention du film ramène le son de la voix de Frankie Laine chantant la chanson titre, parfois connue sous le nom de "Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’".

Ce que beaucoup ne se souviennent peut-être pas, c’est que le film n’a pas été bien accueilli à l’origine lors de son aperçu de la presse, le studio envisageant même de ne pas le sortir. Mais la couverture de Laine est sortie – et est devenue un hit. Certains pensent que cela a sauvé le film. En tout cas, la chanson et la voix de Tex Ritter ont joué au générique d’ouverture de High Noon. La chanson, musique de Tiomkin, paroles de Ned Washington, est un morceau remarquable de compression d’histoire. Il décrit l’intrigue et le dilemme de Will Kane (Gary Cooper) en 2,5 minutes concises. Le thème musical et les plans accessoires ponctuent le film, nous rappellent ses réalités internes et externes et créent une tension.

Elmer Bernstein était encore un autre compositeur de films prolifique. Possédant une ceinture d’armes à feu avec plus de 150 encoches de musique de film, Bernstein a remporté un Oscar pour sa partition pour Thoroughly Modern Millie en 1967. Cependant, aujourd’hui, il est probablement mieux connu pour sa partition de 1960 pour The Magnificent Seven. Le thème de la conduite dure maintient le film en mouvement et fournit une tension qui lui est propre. Bernstein a également fait sa marque avec la musique de The Age of Innocence de Martin Scorsese, The Ten Commandments de DeMille, et même des comédies comme Airplane et Animal House.

1962 est une année charnière pour le compositeur français Maurice Jarre. Cette année-là voit la sortie de trois grands films qu’il signe: Le jour le plus long, Les dimanches et Cybèle, et Lawrence d’Arabie. Pour moi, ce dernier, réalisé par David Lean, est le plus fort de ces efforts et la création musicale de Jarre pour s’adapter aux visuels changeants – bureau britannique en Egypte, désert ondulant, camp bédouin, etc. – était à la fois magistrale et unificatrice. La partition lui a valu son premier Oscar pour la musique originale du film. Son travail avec David Lean sur Doctor Zhivago et A Passage to India a valu à Jarre deux autres Oscars. Zhivago a présenté une balalaïka, rappelant la cithare du Troisième Homme. D’autres films notables qu’il a marqués incluent Witness, Fatal Attraction, Ghost, The Man Who would Be King, Shogun et The Year of Living Dangerously. Les partitions de Jarre ont unifié et accentué des histoires parfois difficiles à suivre.

À peu près au même moment où John Williams innovait avec des bandes sonores orchestrales complètes, un compositeur nommé Vangelis a été engagé pour créer une partition anachronique, principalement électronique, pour les Chariots de feu de David Puttnam en 1981., un film se déroulant dans les années 1920. Bien que ce ne soit pas le premier film à créer une partition principalement via un synthétiseur (Alan Silvestri et d’autres le faisaient depuis un certain temps), son son était intentionnellement et ostensiblement électronique, plutôt que traditionnel. La musique a été utilisée de manière créative pour ponctuer, compléter et contraster avec des parties du film et "The Chariots of Fire Theme", accompagné de visuels de coureurs au ralenti le long de la plage, est devenu emblématique. Les éléments visuels et sonores fonctionnent ensemble pour donner au public une sensation de joie de vivre et de tension sur une piste compétitive, qui est l’un des thèmes majeurs du film.

Bien sûr, la musique a toujours été une partie importante des films ; les "silencieux" n’étaient pas vraiment silencieux. Bien qu’ils n’aient pas de dialogue audible, la plupart avaient un accompagnement au piano en direct qui augmentait l’action à l’écran. Cette enquête donne un aperçu des bandes sonores innovantes, influentes et efficaces au fil du temps, mais elle effleure à peine la surface des grandes partitions et des bandes sonores importantes dans les archives cinématographiques. Il manque à cette discussion la musique d’Erich Wolfgang Korngold, qui dans les années 1930 a créé la musique de nombreux films dont Les Aventures de Robin Hood et Les vies privées d’Elizabeth et d’Essex, tous deux avec Errol Flynn. Il convient également de mentionner la partition de Virgil Thomson pour un film de 1948 intitulé Louisiana Story ., qui reste la seule bande originale à remporter un prix Pulitzer.

En revenant à notre point de départ, cependant, on peut soutenir que peu de ces compositeurs (sauf, peut-être, Williams) ont eu autant d’impact sur l’association de la musique au cinéma par le grand public qu’Ennio Morricone. Combien d’entre nous tiendraient encore The Good the Bad and the Ugly en si haute estime si ce n’était pour le thème inoubliable du compositeur, avec son mélange distinctif d’ocarina, d’harmonica, de flûte et de voix humaine? Pouvez-vous même imaginer le strabisme distinctif de l’homme sans nom sans l’emblématique oo-ee-oo-ee-oo-wah-wah-wah de Morricone ? Même si vous ne vous souvenez pas d’une ligne de dialogue de ce film – même si vous ne l’avez jamais vue, d’ailleurs – vous n’avez presque certainement pas résisté à l’envie de fredonner ou de siffler avec cette pièce emblématique de la composition. C’est le pouvoir de la musique.