Buena música hace grandes películas

Ennio Morricone murió el 6 de julio. Tenía 91 años y falleció en su Roma natal, pero su fallecimiento se sintió tan profundamente en Hollywood como en la Ciudad Eterna. Ganó un competitivo premio de la Academia por su trabajo en Hateful Eight de Quentin Tarantino, fue nominado para otros cinco y recibió un premio Lifetime Achievement Award de la Academia en 2007.

Mientras leía su merecidamente largo obituario, comencé a considerar el papel de una banda sonora musical en las películas. La música, incluso en fragmentos y parches, a menudo se convierte en un elemento integral o un personaje adicional en una película dramática, en lugar de un musical completo, como The Sound of Music o una película sobre música o un compositor en particular, como Amadeus, y puede ser la parte que lo mantiene unido y lo hace memorable, a veces sin que nos demos cuenta del todo.

Intenta imaginar las películas de Star Wars e Indiana Jones sin las contribuciones de John Williams y entenderás lo que quiero decir. La primera incursión de Williams en la categoría Blockbuster fue, por supuesto, Tiburón de 1975. El compositor creó un villano para la película de Spielberg con dos notas: un tema que recorrió la película de la misma manera que un leitmotiv recorre una ópera de Wagner. Dos años más tarde, creó la música para la primera película de Star Wars para George Lucas. Cuatro años después, En busca del arca perdidaapareció con una historia de George Lucas y Spielberg asumiendo las tareas de dirección, y nuevamente se pidió a Williams que proporcionara una partitura memorable, dramática y emocionante. Williams dirigiría la música de ambas franquicias durante los próximos 40 años, con The Rise of Skywalker poniendo fin a la saga Skywalker y la quinta película de Indiana Jones programada para estrenarse en 2022.

No hay duda de que John Williams ha sido capaz de crear y mantener composiciones identificativas para películas que brindan tensión, familiaridad y anticipación en una audiencia durante horas. Las partituras de Williams son tan reconocibles como una sinfonía de Beethoven o una canción de los Beatles. En una tradición casi clásica, los temas musicales mencionados por primera vez en películas décadas y generaciones anteriores se reafirman con matices y variaciones para proporcionar al público una línea emocional, pero con suficiente frescura para mantener los ojos fijos en la pantalla (y tal vez la mano en la pantalla). las palomitas).

También hay pocas dudas de que es el compositor de música para películas más exitoso de la era moderna, y probablemente el compositor de películas más influyente de la historia. Otros proyectos de Williams han incluido todas las películas de Spielberg posteriores a Tiburón y cuatro de las películas de Harry Potter , Superman de Richard Donner y Solo en casa I/II, solo por nombrar algunas.

Pero si retrocedemos unas décadas en el calendario, encontramos que el compositor Nino Rota proporcionó una base similar a la del trabajo de Morricone para el director Federico Fellini, entre otros. Remontándonos a La Strada de 1954, la película que llevó a Fellini a la fama internacional, la música de Nino Rota a menudo contaba tanto de la historia como de las imágenes y los diálogos. No es un accidente que Gelsomina de Giulietta Masina siga a Zampano de Anthony Quinn con una trompeta, entonando una melodía bellamente triste, solitaria e inquietante. Rota estaría asociado con Fellini por el resto de la vida del compositor. También creó el músculo conectivo musical que sustenta El padrino de Coppola y su secuela.

Retrocediendo aún más en el tiempo, ¿ Lo que el viento se llevó habría tenido el mismo impacto sin la arrolladora partitura de Max Steiner? La partitura es una parte tan importante de la película que algunos compases de "Tara’s Theme" evocan una panoplia de escenas cinematográficas.

Cruzando el charco hacia Inglaterra, The Third Man de Carol Reed dio un paso musical inusual y brillante. La película de 1949 está ambientada en la Viena posterior a la Segunda Guerra Mundial, una ciudad llena de intriga, actos sucios y engaños. La dirección de Carol Reed es neo-alemana en el uso de luces y sombras. Anton Karas establece y mantiene el estado de ánimo con una partitura vanguardista escrita para cítara solista. Karas interpretó la partitura él mismo y se convirtió en una estrella internacional en 1950.

Durante un tercio del siglo XX, el nombre de Dimitri Tiomkin fue casi tan omnipresente en las partituras de películas de Hollywood como el de Edith Head en el diseño de vestuario. Si bien obtuvo 22 nominaciones al Oscar por la partitura original y ganó el premio por The High and the Mighty y The Old Man and the Sea, creo que su obra maestra fue la película de Fred Zinneman de 1952, High Noon, que le valió no solo la estatuilla a la Mejor partitura original., pero también a Mejor Canción Original. Si tienes cierta edad, cualquier mención de la película trae de vuelta el sonido de la voz de Frankie Laine cantando la canción principal, a veces conocida como "Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’".

Lo que muchos quizás no recuerden es que la película originalmente no fue bien recibida en su vista previa de prensa, y el estudio consideró ni siquiera lanzarla. Pero la portada de Laine fue lanzada y se convirtió en un éxito. Algunos piensan que salvó la película. En cualquier caso, la canción y la voz de Tex Ritter se reprodujeron en los créditos iniciales de High Noon. La canción, con música de Tiomkin y letra de Ned Washington, es una pieza notable de compresión de la historia. Describe la trama y el dilema de Will Kane (Gary Cooper) en 2,5 minutos concisos. El tema musical y las tomas incidentales marcan la película, recordándonos sus realidades internas y externas y generando tensión.

Elmer Bernstein fue otro prolífico compositor de cine. Poseyendo un cinturón de armas con más de 150 muescas de partituras cinematográficas, Bernstein ganó un Oscar por su partitura para Thoroughly Modern Millie de 1967. Sin embargo, hoy en día, probablemente sea mejor conocido por su partitura de 1960 para Los siete magníficos. El tema de conducción dura mantiene la película en movimiento y proporciona una tensión propia. Bernstein también dejó su huella con la música de La edad de la inocencia de Martin Scorsese, Los diez mandamientos de DeMille e incluso comedias como Airplane y Animal House.

1962 fue un año crucial para el compositor francés Maurice Jarre. Ese año vio el lanzamiento de tres películas importantes que compuso: The Longest Day, Sundays and Cybele, y Lawrence of Arabia. Para mí, el último, dirigido por David Lean, es el más fuerte de esos esfuerzos y la creación de música de Jarre para adaptarse a las imágenes cambiantes (oficina británica en Egipto, desierto ondulante, campamento beduino, etc.) fue magistral y unificadora. La partitura le valió su primer Oscar a la partitura original de una película. Su trabajo con David Lean en Doctor Zhivago y Pasaje a la India le valió dos premios Oscar más a Jarre. Zhivago presentó una balalaika, que se remonta a la cítara de The Third Man. Otras películas notables que compuso incluyen Witness, Atracción fatal, Fantasma, El hombre que sería rey, Shogun y El año de vivir peligrosamente. Las partituras de Jarre unificaron y acentuaron lo que a veces eran historias difíciles de seguir.

Casi al mismo tiempo que John Williams estaba abriendo nuevos caminos con bandas sonoras orquestales completas, un compositor llamado Vangelis se comprometió a crear una partitura anacrónica, en su mayoría electrónica, para Chariots of Fire de 1981 de David Puttnam., una película ambientada en la década de 1920. Si bien no fue la primera película en crear una partitura principalmente a través de un sintetizador (Alan Silvestri y otros lo habían estado haciendo durante algún tiempo), su sonido era intencional y ostentosamente electrónico, en lugar de tradicional. La música se usó de manera creativa para puntuar, complementar y contrastar con partes de la película y "The Chariots of Fire Theme", acompañado de imágenes de corredores en cámara lenta a lo largo de la playa, se ha vuelto icónico. Los elementos visuales y auditivos trabajan juntos para darle al público una sensación de euforia y tensión de la pista competitiva, que es un tema principal de la película.

Por supuesto, la música siempre ha sido una parte importante de las películas; los "silenciosos" no eran realmente silenciosos. Si bien no tenían diálogo audible, la mayoría tenía acompañamiento de piano en vivo que aumentaba la acción de la pantalla. Esta encuesta proporciona una visión de las bandas sonoras innovadoras, influyentes y efectivas a lo largo del tiempo, pero apenas rasca la superficie de las grandes partituras y las bandas sonoras importantes en los archivos cinematográficos. Falta en esta discusión la música de Erich Wolfgang Korngold, quien en la década de 1930 creó la música para una gran cantidad de películas, incluidas Las aventuras de Robin Hood y La vida privada de Elizabeth y Essex, ambas con Errol Flynn. También vale la pena mencionar la partitura de Virgil Thomson para una película de 1948 llamada Louisiana Story ., que sigue siendo la única banda sonora en obtener un premio Pulitzer.

Sin embargo, volviendo a donde comenzamos, es discutible que pocos de estos compositores (salvo, quizás, Williams) tuvieron tanto impacto en la asociación de la música con el cine del público en general como lo hizo Ennio Morricone. ¿Cuántos de nosotros seguiríamos teniendo El bueno, el feo y el malo si no fuera por el inolvidable tema del compositor, con su distintiva mezcla de ocarina, armónica, flauta y voz humana? ¿Puedes siquiera imaginar el distintivo estrabismo del Hombre sin Nombre sin el icónico oo-ee-oo-ee-oo-wah-wah-wah de Morricone? Incluso si no puede recordar una línea de diálogo de esa película, incluso si nunca la ha visto, es casi seguro que no pudo resistir el impulso de tararear o silbar junto con esa icónica pieza de composición. Ese es el poder de la música.