Bra musik gör bra filmer

Ennio Morricone dog den 6 juli. Han var 91 år och dog i hemlandet Rom, men hans bortgång kändes lika starkt i Hollywood som i den eviga staden. Han vann ett konkurrenskraftigt Oscar för sitt arbete med Quentin Tarantinos Hateful Eight, nominerades för fem andra och fick ett Lifetime Achievement Award från Academy 2007.

När jag läste hans välförtjänta långa citat började jag överväga rollen som ett musiksoundtrack i filmer. Musik, till och med i lappar och lappar, blir ofta ett integrerat element eller ytterligare karaktär i en dramatisk film – snarare än en ut och ut musikal, som The Sound of Music eller en film om musik eller en viss kompositör, som Amadeus – och kan vara den del som håller ihop det och gör det minnesvärt, ibland utan att vi helt inser det.

Försök att föreställa dig Star Wars- och Indiana Jones -filmerna utan bidragen från John Williams så förstår du vad jag menar. Williams första satsning på Blockbuster-kategorin var naturligtvis 1975 års Jaws. Kompositören skapade en skurk för Spielbergs film med två toner – ett tema som löpte genom filmen som ett ledmotiv går genom en Wagner-opera. Två år senare skapade han musiken till den första Star Wars -filmen för George Lucas. Fyra år efter det, Raiders of the Lost Arkdök upp med en berättelse av George Lucas och Spielberg som tog sig av regissörerna – och återigen uppmanades Williams att ge ett minnesvärt, dramatiskt och spännande partitur. Williams skulle styra musiken för båda franchisetagarna under de kommande 40 åren, med The Rise of Skywalker som satte en slutkapsel på Skywalker-sagan och den femte Indiana Jones-filmen som är planerad att släppas 2022.

Det är ingen tvekan om att John Williams har kunnat skapa och upprätthålla identifierande kompositioner för filmer som ger spänning, förtrogenhet och förväntan hos en publik i timmar i taget. Williams partitur är lika igenkännliga som en Beethovens symfoni eller en Beatles-låt. I en nästan klassisk tradition har musikaliska teman som först angavs i filmer årtionden och generationer tidigare omarbetats med nyanser och variationer för att ge publiken en känslomässig genomgång, men med tillräckligt friskhet för att hålla ögonen stadigt på skärmen (och kanske handen in popcornen).

Det råder också lite tvivel om att han är den mest framgångsrika musikkompositören för filmer i modern tid, och förmodligen den mest inflytelserika filmkompositören i historien. Andra Williams-projekt har inkluderat alla Spielberg-filmerna efter Jaws och fyra av Harry Potter-filmerna, Richard Donners Superman och Home Alone I/II, bara för att nämna några.

Men om vi slår tillbaka kalendern några decennier, finner vi att kompositören Nino Rota gav en grund liknande den i Morricones verk för regissören Federico Fellini, bland andra. Så långt tillbaka som 1954′ La Strada, filmen som förde Fellini till internationellt hyllning, berättade Nino Rotas musik ofta lika mycket av historien som bilderna och dialogen. Det är inte en slump att Giulietta Masinas Gelsomina följer Anthony Quinns Zampano med en trumpet, jämrande en vackert sorgsen, ensam och spöklik låt. Rota skulle förknippas med Fellini för resten av kompositörens liv. Han skapade också den musikaliska bindemuskeln som ligger till grund för Coppolas Gudfader och dess uppföljare.

Om du flyttade ännu längre tillbaka i tiden, skulle Borta med vinden ha haft samma inverkan utan Max Steiners svepande poäng? Partituret är så mycket en del av filmen att några takter av "Tara’s Theme" frammanar en mängd filmscener.

När hon flyttade över dammen till England tog Carol Reeds The Third Man ett ovanligt och lysande musikaliskt steg. Filmen från 1949 utspelar sig i Wien efter andra världskriget, en stad fylld av intriger, smutsiga handlingar och bedrägeri. Carol Reeds regi är nytysk i sin användning av ljus och skugga. Anton Karas sätter och upprätthåller stämningen med ett edgy partitur skrivet för solocittra. Karas framförde partituret själv och blev en internationell stjärna 1950.

Under en hel tredjedel av 1900-talet var Dimitri Tiomkins namn nästan lika allmänt förekommande på filmmusik i Hollywood som Edith Heads var för kostymdesign. Medan han fick 22 Oscarsnomineringar för originalmusik och vann priset för The High and the Mighty och The Old Man and the Sea, tror jag att hans mästerverk var Fred Zinnemans film från 1952, High Noon, som inte bara gav honom statyetten för bästa originalmusik., men en för bästa originallåt också. Om du är i en viss ålder, återför varje omnämnande av filmen ljudet av Frankie Laines röst som sjunger titellåten, ibland känd som "Do Not Forsake Me, Oh My Darlin’."

Vad många kanske inte kommer ihåg är att filmen ursprungligen inte mottogs väl vid sin pressvisning, och studion övervägde att inte ens släppa den. Men Laines cover släpptes – och blev en hit. Vissa tror att det räddade filmen. I alla fall spelade låten och Tex Ritters röst över öppningstexterna på High Noon. Låten, musik av Tiomkin, text av Ned Washington, är en anmärkningsvärd berättelsekompression. Den beskriver handlingen och Will Kanes (Gary Cooper) dilemma på kortfattade 2,5 minuter. Det musikaliska temat och tillfälliga bilder präglar filmen och påminner oss om dess inre och yttre verklighet och skapar spänning.

Elmer Bernstein var ännu en produktiv filmkompositör. Med ett vapenbälte med mer än 150 filmpoängskåror vann Bernstein en Oscar för sitt partitur för Thoroughly Modern Millie från 1967. Men idag är han förmodligen mest känd för sitt partitur från 1960 för The Magnificent Seven. Hårdkörningstemat håller filmen i rörelse och ger en egen spänning. Bernstein gjorde också sitt avtryck med musik till Martin Scorseses The Age of Innocence, DeMilles The Ten Commandments, och även sådana komedier som Airplane and Animal House.

1962 var ett avgörande år för den franske kompositören Maurice Jarre. Det året släpptes tre stora filmer han gjorde: The Longest Day, Sundays and Cybele och Lawrence of Arabia. För mig är den sistnämnda, regisserad av David Lean, den starkaste av dessa ansträngningar och Jarres skapande av musik för att passa de föränderliga bilderna – Britkontor i Egypten, böljande öken, beduinläger, etc. – var både mästerligt och förenande. Partituren gav honom hans första Oscar för originalfilmsmusik. Hans arbete med David Lean på Doctor Zhivago och A Passage to India fick ytterligare två Oscars för Jarre. Zhivago presenterade en balalaika, som lyssnade tillbaka till Den tredje mannens cittra. Andra anmärkningsvärda filmer han spelade in inkluderar Witness, Fatal Attraction, Ghost, The Man Who Would Be King, Shogun och The Year of Living Dangerously. Jarres partitur förenade och accentuerade vad som ibland var svåra att följa berättelser.

Ungefär samtidigt som John Williams bröt ny mark med fullständiga orkesterljudspår, anlitades en kompositör vid namn Vangelis för att skapa ett anakronistiskt, mestadels elektroniskt partitur för David Puttnams Chariots of Fire från 1981., en film som utspelar sig på 1920-talet. Även om det inte var den första filmen som skapade ett partitur mestadels via synthesizer (Alan Silvestri och andra hade gjort det ett tag), var dess ljud avsiktligt och pråligt elektroniskt, snarare än traditionellt. Musiken användes kreativt för att punktera, komplettera och kontrastera med delar av filmen och "The Chariots of Fire Theme", tillsammans med bilder av slowmotion-löpare längs stranden, har blivit ikonisk. De visuella och ljudelementen samverkar för att ge publiken en känsla av spänningen och påfrestningen av tävlingsspåret, vilket är ett av filmens huvudtema.

Naturligtvis har musik alltid varit en viktig del av filmer; de "tysta" var inte riktigt tysta. Även om de inte hade någon hörbar dialog, hade de flesta levande pianoackompanjemang som förstärkte skärmens action. Denna undersökning ger en bild av innovativa, inflytelserika och effektiva ljudspår över tid, men den skrapar knappt på ytan av de fantastiska partiturerna och viktiga ljudspåren i filmarkiven. Saknas i den här diskussionen är musiken av Erich Wolfgang Korngold, som på 1930-talet skapade musiken till en mängd filmer inklusive Robin Hoods äventyr och Elizabeths och Essex privatliv, båda med Errol Flynn. Också värt att nämna är Virgil Thomsons partitur för en film från 1948 som heter Louisiana Story, som fortfarande är det enda soundtracket som har fått ett Pulitzerpris.

Om vi ​​tittar tillbaka till där vi började, men det kan argumenteras att få av dessa kompositörer (utom, kanske Williams) hade så stor inverkan på allmänhetens associering av musik med film som Ennio Morricone. Hur många av oss skulle fortfarande uppskatta The Good the Bad and the Ugly om det inte vore för kompositörens oförglömliga tema, med sin distinkta blandning av ocarina, munspel, flöjt och den mänskliga rösten? Kan du ens föreställa dig mannen utan namns distinkta kis utan ackompanjemang av Morricones ikoniska oo-ee-oo-ee-oo-wah-wah-wah? Även om du inte kan minnas en dialoglinje från den filmen – även om du aldrig har sett den för den delen – så har du nästan säkert misslyckats med att motstå lusten att nynna eller vissla tillsammans med den ikoniska kompositionen. Det är musikens kraft.